Por Brígida Rodrigues, com a colaboração de Junio Nascimento e Nich Duarte
Chimamanda Adichie começou uma de suas palestras no TED Talk dizendo que, quando ela era criança, vivendo na Nigéria, os livros que ela tinha como referência eram todos europeus. E sendo europeus, os personagens agiam, falavam, comiam, de acordo com a sua própria narrativa, com a sua cultura, na segurança privilegiada de uma história única.
Então, a Chimamanda criança lia sobre personagens que falavam sobre o tempo (o difícil clima europeu, em que qualquer raio de sol era comemorado versus o sol resplandecente da Nigéria), comiam maçãs e bebiam cervejas de gengibre. Nenhuma dessas coisas eram identificáveis para ela, porque não faziam parte da cultura, da culinária e da geografia nigeriana. Mas se estavam em livros, na televisão, em filmes, músicas, devia ser importante, certo? Então Chimamanda queria viver e experimentar todas essas coisas.
A consequência drástica disso para alguém tão jovem, buscando as suas próprias referências, construindo a sua personalidade e a sua narrativa? Ela passou a acreditar que só haveria livros escritos por estrangeiros, sobre coisas às quais ela não poderia se identificar, porque essa era a ‘história única’. Isso era o que estava sendo exaustivamente contado. E o além disso? Não parecia haver espaço para ele.
Chimamanda enfatiza o quanto ela sempre continuou amando os livros americanos e europeus, mas que isso quase a fez entender que não haveria lugar na literatura para uma mulher nigeriana. E foi só quando ela descobriu e começou a ler literatura africana que as coisas realmente começaram a mudar na sua percepção sobre si mesma e o seu entorno. Ela diz: “Então, o que a descoberta dos escritores africanos fez por mim foi: salvou-me de ter uma única história sobre o que os livros são”. E é disso que vamos falar aqui: sobre a importância do teatro de contar histórias, e histórias que sejam universais, que venham de todos os lugares, e converse com todos.
E sabem por que o teatro tem esse poder? Porque o palco é diferente do Estado. E é só porque o palco é diferente que ele pode se tornar uma crítica ao Estado. Se a arte tivesse se colocado como um espelho da sociedade, ela não poderia se posicionar de forma diferente. Ela pode, portanto, se colocar nesse lugar porque há uma cisão do sujeito.
Uma professora muito querida de Teoria Crítica da Literatura costuma dizer que não existe crítica construtiva, porque isso seria pura camaradagem. Sabe por quê ela diz isso? Porque a crítica, mesmo quando o nome em si ainda não existia, mesmo quando pensar a arte como um contraponto do monarca era morte certa, já existia a cisão. Já existia o entendimento de que o que está no palco é outra coisa, distinta da realidade, e que, portanto, pode denunciá-la. É a arte que mostra que tudo pode ser diferente.
Sabe a importância disso? O impacto disso? Pensem num mundo em que o máximo que se podia acontecer na vida de uma pessoa era sobreviver e esperar pela morte, ou pelo Juízo Final. E como contra argumentar algo que não pode ser desfeito já que ninguém nunca experienciou a morte e voltou para contar? Contra os preceitos religiosos havia muito pouco a se fazer, porque a cristandade tinha uma relação com o futuro que continuava atrelada e ancorada ao passado. As experiências eram mais ou menos as mesmas, e a expectativa da vida era o encontro com o divino no final. O devaneio era limitado. Portanto, não fosse a arte, o que as pessoas poderiam esperar? A vida que elas tinham era aquela, e não havia como mudar, então pouco se esperava além daquilo que estava dito e posto.
A arte vem, então, para mostrar que a experiência terrena pode e deve ser melhor. Que não há necessidade de contar apenas com o divino, com a experiência do Fim do Mundo, para se ter uma vida próxima a felicidade, para que a experiência terrena seja prazerosa. Quando há essa percepção no palco, de que o que está lá é diferente do que está aqui, é que o processo de cisão começa.
A crítica, portanto, só atua na direção de separar. É para isso que ela serve. A crítica não dá soluções, ela não diz o que fazer, ela é corrosiva. Ela vem de uma época em que se derrubaram monarcas apenas com o poder da palavra – e, lembrem-se, os monarcas não eram apenas líderes políticos, eles eram a representação divina na Terra. E foi através da crítica, com o pontapé inicial dela, que uma ordem estabelecida há séculos pode ser quebrada.
Por isso a crítica não pode, nunca, ser suave. Ela precisa denunciar o que está faltando, o que há de errado. E às vezes não é possível dizer isso sem coragem, de cima do muro, em meias palavras. Ela leva, sim, à crise, e vice-versa. É a quebra do status quo. E se o status quo é um teatro sem representatividade, por quê diríamos não a revolução?
A crítica não é opinião. A verdadeira crítica é fundamentada, é organizada, pensada, tem uma argumentação sólida. A única diferença de agora para o século XVI, onde a crítica começa a surgir, e no século XVII – onde ela tem o seu ápice – é que, enquanto lá atrás lutava-se contra a política, contra o poder do rei e da religião, hoje luta-se contra o mercado (que pode ser até pior, mais implacável, que o estado e a religião juntos).
Mas a quem, então, cabe tirar o patrocínio da boca e falar? É um risco que corremos, mas é também o compromisso de não deixar a arte ser cúmplice do mundo, e sim continuar indo em contrapartida a ele. A partir de qual momento o teatro se tornou tão covarde? Era para o teatro estar à frente do mundo, e não o contrário.
Mais do que se ter minorias no palco, é preciso que elas ocupem as direções, a dramaturgia, as produções. Que novas histórias sejam contadas, e não que a experiência coletiva de uma única raça seja revivida no palco de novo e de novo.
Representação importa.
Querem um exemplo prático?
Este ano a HBOMax colocou em seu catálogo uma série queer sobre piratas. A série conta a história real da parceria feita entre o Barba Negra e um nobre, Stede Bonnet, que larga tudo para uma vida de aventuras no mar. A partir dessa premissa, o roteiro e a direção caminham livremente entre as várias possibilidades da vida insana e misteriosa da pirataria no século XVII e explora um romance lindo e delicioso entre eles.
Na série, outros temas importantes são abordados com maestria, como: poliamor, pessoas trans, racismo. E tudo isso com um elenco sublime e extremamente diverso. O fenômeno na internet foi rápido – e surpreendente para os envolvidos na série. A própria emissora não pareceu acreditar no sucesso que Our Flag Means Death faria, mas a história foi feita. Milhares de pessoas ao redor do mundo se sentiram representadas.
E a importância de se ver nas telas, nos palcos, nos livros, é enorme.
E nos últimos anos, a representatividade se tornou o centro de muitas discussões. Quando você cresce vendo apenas uma forma de vida sendo representada, com personagens cuja raça, religião, orientação sexual só enfatizam uma maioria privilegiada, você passa a pensar que não é importante, que seus traços não são bonitos, que a sua cultura é menor; e dá o direito dessa maioria continuar pensando que é melhor, dá a munição para a hostilização de religiões não cristãs, para o amor que não é heterossexual. Sem a representatividade é perpetuada uma única narrativa, que depois de décadas, séculos, sendo recontada impede que o teatro e arte sejam aquilo que eles trazem de mais importante: a possibilidade de sonhar por um mundo melhor e de criticar o que não funciona no presente.
É triste, no entanto, o quão lento tem sido esse caminho. Muitas produções na Broadway têm, sim, avançado. E os movimentos têm tido mais voz, mais força. Mas justo quando pensamos que estamos finalmente caminhando (lentamente, mas na direção certa) vemos que, na verdade, caminhamos mais alguns passos para trás. Pelo menos é o que parece no cenário do teatro musical brasileiro, que continua dando pouca ou nenhuma oportunidade para artistas pretos. A proporção nos elencos ainda é assustadoramente branca, e é surreal, para não dizer bizarro, que isso ainda esteja acontecendo em 2022, especialmente depois de dois anos tão difíceis para a cultura. O que ainda é preciso fazer? Sobre quem recai essa escolha? São as produtoras? São os patrocinadores? Ou ainda estamos naquela linha do: escolhemos meramente pelo talento e pela capacidade técnica? Porque isso temos de sobra.
Mais do que contar histórias, é preciso mostrar qual está sendo contada nos palcos e o que ela representa para o público que assiste. É incongruente clamar por mais diversidade se, no final das contas, o que está sendo visto conta uma narrativa diferente.
Este não é um texto ingênuo. Mesmo que sejamos fãs escrevendo para fãs, entendemos como funcionam as coisas nessa indústria. Entendemos que há a falta de incentivo – especialmente no momento delicado que vivemos atualmente. Entendemos que a montagem de um espetáculo envolve centenas de pessoas, patrocínios, leis de incentivo, apoio das iniciativas privadas e públicas. Entendemos que para vender ingressos é preciso que o musical chame a atenção de um público que é menos específico, e que muitas vezes busca o peso do nome, o peso da Broadway e o peso do turismo. Mas já não estamos no ponto em que podemos dar crédito ao público? As pessoas querem, sim, ouvir novas histórias. Novas vozes. Novos talentos. A pergunta que fica, então, é: o que as grandes produtoras brasileiras estão fazendo sobre isso?
E nem chegamos no backstage, em que provavelmente a questão racial seja só um dos muitos problemas. Quantas mulheres estão realmente envolvidas nos figurinos? Nas direções? Nas composições? Nos desenhos de luz? Olhem para as premiações, tanto no Brasil quanto nos Estados Unidos e Inglaterra, e observem quantas mulheres são realmente indicadas para estas categorias. Há uma questão tanto racial quanto de gênero bastante chocante quando analisamos os números, e essa não é uma situação sustentável por mais tempo. Mais do que homenagear a diversidade nas premiações, é preciso trazê-la para o dia a dia nos teatros. É absurdo que uma linguagem artística como as artes cênicas, que se coloca tão a frente da sociedade, esteja equiparada a outros aspectos sociais quanto o assunto é desigualdade.
"What does your silence sound like?"
— CBS (@CBS) September 27, 2021
You can't stop @BwayAdvocacyCo's beat! #TonyAwards pic.twitter.com/Ja07S5hyqM
Quanto tempo mais vai demorar para que musicais mais diversos sejam a regra, e não a exceção?
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